Su estilo es engañosamente realista, ya que todas sus composiciones se basan en elementos comunes en su propia luz natural, sin embargo, tras esa primera impresión aflora, bajo intensos pigmentos, una historia directa que justifica la imagen. A través de los años la técnica de la acuarela se ha convertido en un lenguaje de texturas, meticuloso en detalles, que permite al espectador sumergirse en ese instante congelado en el papel, e interpretar la obra desde la emoción, más allá de la belleza, sea o no un experto.
Éste artista poco convencional tiene distintas temáticas, pero todas sus series reflejan las obsesiones plásticas y vitales de su enorme creatividad. Se define como más emotivo que técnico, a pesar de que su técnica resulta demoledora ante los ojos de cualquier espectador. Su larga trayectoria ha pasado por diversos lenguajes que van desde el Expresionismo, la Abstracción y el Pop Art, pero desde hace 25 años se ha ido acercando cada vez más al realismo como expresión plástica y narrativa. Desde hace casi 20 años trabaja sobre todo la acuarela (técnica de la que es un maestro consumado) porque tuvo que dejar el oleo por problemas alérgicos a la trementina.
Le hemos visitado en el pequeño taller dónde imparte sus cursos de acuarela y técnicas sobre papel, para hacerle ésta extensa y completa entrevista, con el fin de conocer mejor a éste artista manchego, que sin duda será un referente universal algún día, que esperemos esté cercano. No evita ninguna pregunta incómoda, y en su carácter no entra tampoco la corrección política, porque no puede evitar de vez en cuando tirar una pequeña puntada ácida al sistema y a los políticos.
Pregunta-¿Cree usted que un artista se completa como tal cuando se transforma en maestro?
Respuesta- En mi caso es evidente que sí, no sé si mi obra actual será de más calidad que antes de dedicarme a enseñar la técnica de la acuarela, pero le puedo asegurar que es más intensa. Los alumnos me plantean continuamente nuevos retos, y eso me hace tener que reinventarme continuamente. La acuarela, a diferencia de otras técnicas, no se puede trasmitir de una manera académica, al menos no del todo. El método no es muy claro, y de lo que se trata es de entenderla y conocer el comportamiento del agua con pigmentos sobre una superficie muy porosa como es el papel, por lo tanto cada trabajo de cada alumno es su reto nuevo para mí.
P- ¿Qué piensa de aquellos artistas que se niegan a la docencia?
R- De la misma manera que le he dicho que en mi caso está siendo positivo, no creo que tenga que ser igual para todos, creo que es una cuestión de necesidad personal, o incluso pueda ser simplemente una cuestión económica y de supervivencia, pero entiendo que haya muchos artistas que no les interese la docencia porque implica un esfuerzo intelectual agotador, y eso puede ser perjudicial para la obra propia, a mi hace unos años no me apetecía dar clases.
P- ¿En una de sus últimas entrevistas López Torres dijo que un artista debe estar sobre todas las cosas “informado”, está usted de acuerdo?
R- Conocí a Don Antonio, y tuve la suerte de pasar algunos momentos maravillosos con él, y me extraña bastante ese comentario, ya que él era muy reservado y sólo le interesaban los pájaros y su propia pintura. Independientemente de ello creo que un artista debe ser el reflejo de su tiempo, un cronista plástico del mismo, por lo tanto es necesario que esté muy informado, simplemente por la curiosidad natural de las personas creativas.
P- ¿En qué escenario se encuentra hoy en día un artista que quiere vivir de su trabajo?
R- Quizá el escenario pueda ser el peor de la historia de la humanidad. Muy pocos artistas pueden vivir de su trabajo, el papel de los artistas ha cambiado mucho, ahora ya no somos necesarios, la tecnología y el sistema del capitalismo salvaje, en los que socialmente el arte es casi un estorbo no tienen cabida, por otro lado la cultura está perdiendo peso socialmente. Nunca antes en la historia se había llegado a poner en valor el analfabetismo social cómo ahora, y los medios de comunicación (sobre todo la televisión) dan un exceso de cobertura a todo lo que es anticultural. Algo que la gran mayoría de personas no entiende es que cuando compra Arte está comprando algo único, si usted tiene un reloj serie oro de Rolex, o un Lamborgini serie especial -por ejemplo- posee objetos muy caros y exclusivos, pero no únicos.
Por otro lado la gran crisis económica actual de nuestro sistema ha repercutido sobre todo en el Arte. Hoy sólo quedan abiertas un escaso 20% de las galerías de Arte que había hace 25 años. En los momentos gloriosos se vendía Arte como si fueran acciones preferentes o activos tóxicos, no importaba la calidad, sino la provocación, aunque eso ahora sigue existiendo cada vez más, con la crisis se busca ofrecer algo único y diferencial, pero el mercado del Arte está muerto, una cosa muy diferente es el mercado del Arte de obra de artistas ya fallecidos, esos y los pocos artistas vivos consagrados siguen batiendo records. La paradoja de siempre: Un artista que vivió toda su vida en la miseria ahora bate records económicos con su obra continuamente, algo muy inmoral e indecente.
P- ¿Considera usted justa la restricción por tamaño en certámenes de pintura?
R- Las bases de la mayoría de los certámenes están copiadas unas de otras, eso da una idea del nivel de los patrocinadores, en los certámenes de pintura el tamaño sí importa, se conceden los premios por superficie pintada, la calidad no importa, y además el nivel de los jurados es vergonzoso. Después hay otro tema; las bases suelen imponer cómo formato mínimo 100 X 81 cmts, que es un tamaño estándar de bastidor para lienzo, sin embargo el máximo tamaño estándar en papel de acuarela es de 100 X 70, por lo tanto para participar hay que conseguir un papel de medidas especiales con fibras irregulares, no apto para el tipo de acuarela que yo trabajo, y el papel artesano es carísimo.
Hay pintores especializados en concursos, que pintan cuadros enormes y viven de ello, pero luego no venden un solo cuadro a particulares. Participo en pocos certámenes pero cada vez lo haré menos, porque no quiero ser cómplice de ésta hoguera de vanidades, una conspiración para acabar con el artista de pequeño formato.
P- ¿Cuéntenos un poco como fueron sus primeros pasos.
R- Desde muy pequeño me recuerdo dibujando, pintando, haciéndome mis propios juguetes, también escribía historias y las ilustraba, recuerdo también que los veranos pasaba largas temporadas en Madrid en casa de mi abuela, y que cerca de donde ella vivía había una tienda de material artístico, pues yo pasaba horas contemplando ese escaparate lleno de cajas de pinturas. Pero fue con 12 años cuando tuve la suerte de tener un profesor en el instituto que era pintor, y nos introdujo en la técnica del óleo. Siempre tuve facilidad para el dibujo y el color, era normal que me entusiasmara con ello.
P- ¿Qué opina de la nueva generación de artistas plásticos de Tomelloso?
R- Creo que debería hacerse un estudio sociológico serio, porque el alto número de artistas plásticos de Tomelloso es un fenómeno único en el mundo, continuamente surgen nuevos creadores con ofertas muy variadas, y con un potencial considerable. Eso es algo que deberían plantearse los políticos locales, las artes plásticas son un activo muy importante, y bien gestionado podría suponer una buena fuente de ingresos en forma de turismo cultural. El Ayuntamiento tiene cientos de obras de Arte de todos los artistas locales, además de todos los que aquí han expuesto, sin embargo, a pesar de lo que presumen nuestros políticos de la cantera artística de nuestra ciudad, no hay ningún lugar dónde poder ver juntas las obras de todos nuestros artistas, además el Museo López Torres está infrautilizado, y creo sinceramente que debería haber un museo municipal con obra permanente de todos los artistas locales. Creo que el Arte y la Cultura son algo a lo que echan mano los políticos para hacerse la foto, pero que en realidad les importan muy poco.
P- ¿Cómo inicia una obra?
R- Cada obra que empiezo parte de un proceso madurado. Allá donde vaya siempre voy buscando cuadros, historias que contar, imágenes que ya veo sobre un papel. Siempre llevo una cámara fotográfica, y tomo varias fotos de cada motivo que encuentro atractivo, después recorto y manipulo algo la foto de la que partiré para el cuadro que quiero hacer. Tengo un archivo con ciento de fotos esperando el día que me decida a pintarlas.
Cuando ya voy a empezar una nueva obra, lo primero es preparar el papel, se moja bien, después se pega sobre un tablero y se deja secar con peso encima, mientras tanto la dibujo en otro papel, y después la calco sobre éste, para evitar trazos de grafito o la película que sobre el papel deja la goma de borrar. El papel debe estar muy limpio para que todas sus fibras estén perfectamente absorbentes. Luego empiezo a meter color, pero nunca con un orden metódico porque cada obra requiere un tratamiento distinto.
P- ¿Son sus acuarelas autobiográficas?
R- Bastante, aunque yo tengo dos líneas de trabajo en distintas series, en general mis obra son muy narrativas, con una gran carga personal, tenga en cuenta que yo siempre quise ser escritor de historias, por lo tanto intento siempre contar algo, y mis obsesiones, preferencias e ideas son lo que me motiva a pintar. Luego tengo dos series que son más líricas (Piedras, y troncos y árboles) que enlazan con mi pasión por el arte abstracto en las que busco más esa motivación estética de composición (caótica u ordenada) buscando una visión más poética.
P- Usted que ha sido denunciado por la exhibición de cuadros de desnudos en Facebook, siendo que eran claramente desnudos clásicos artísticos ¿Qué opina de esa doble moral?
R- No me voy a extender mucho en esto, Creo que es el reflejo de una sociedad manipulada por el integrismo hipócrita de las religiones, y los USA están en la cabeza de esa hipocresía junto a países musulmanes. Se puede publicar cualquier tipo de violencia: asesinatos, torturas, agresiones, pero un desnudo ofende la moral. Esto no ha cambiado, y parece que nunca cambiará, porque al sistema le interesa un pueblo inculto y manipulable, y la falsa ética religiosa es el método más eficaz para ello.
P- ¿Que le recomienda a sus alumnos a la hora de empezar?
R- Sobre todo pasión y valentía, mi primera labor es liberarles de los miedos, porque la leyenda negra de la acuarela es que no se puede corregir, y aunque en parte es cierta no es totalmente real. Mi actitud ante ellos es la de apasionarlos y que utilicen la acuarela como vehículo emocional y liberador, la técnica la van adquiriendo poco a poco, siempre intento que disfruten, que elijan motivos e imágenes para pintar con los que tengan un vínculo emotivo o pasional.
P- ¡Qué proyectos tiene para el año que va a comenzar?
R- No suelo marcarme objetivos, aunque luego van saliendo solos, pero para éste año próximo no tengo nada en perspectiva, seguir pintando, seguir enseñando, y seguir captando adeptos a ésta maravillosa religión sin castigos ni prohibiciones.
P- ¡Cómo definiría a su generación?
R- Me voy a referir a mi generación artística de Tomelloso. Creo que fuimos la primera generación de artistas plásticos, ya que los anteriores fueron más solitarios en su época. Con algunos he tenido más contacto que con otros, pero creo que hay suficientes nombres como para tenernos en cuenta cómo generación de artistas que han logrado vivir de su trabajo. Creo que Tomelloso tiene una deuda con gente como Angel Pintado, Pepe Carretero, Fermín García Sevilla, Maria Jesús Martínez, Andrés Moya, etc. También incluiría otros nombres, algunos un poco más jóvenes y otros algo más mayores: Caroline Culubret, Marcelo Grande, Félix Huertas, Pilar Jiménez Amat, Federico Huertas, Andrés Ruiz, Ezequiel cano, etc. Pido perdón a aquellos que olvido pero la lista sería interminable, no obstante mi generación: Los que nacimos entre 1957 y 1967 ha sido muy importante, y ha llevado por todo el mundo asociado el nombre de Tomelloso con el Arte en letras mayúsculas.
P- Otra de sus actividades creativas es la publicación regular de ideas y reflexiones en las redes sociales bajo el seudónimo de “el artista hedonista” ¿Es el hedonismo positivo? Háblenos también sobre ésta otra faceta “literaria”.
R- Creo que los artistas tenemos un punto hedonista importante, el hecho de intentar dedicarnos a lo que nos apasiona es la clave, que mayor hedonismo que disfrutar trabajando? Acabar con la maldición bíblica de ganar el pan con el sudor de tu frente.
Sobre mi otra faceta, ya he dicho que siempre me gustó inventar historias, escribir cosas, reflexiones, relatos, poemas. Aunque no creo que sea una faceta literaria, no tengo suficiente preparación ni calidad paraqué lo que hago se llame literatura. Es más bien un juego dónde mi creatividad es más libre, y las redes sociales son un vehículo de difusión muy inmediato y popular. Una parte de mi juego consiste en crear confusión inventando frases que atribuyo a personas importantes, y en otros casos inventadas. Éste juego perverso me lo inspiró la obra de Jorge Luis Borges, unos de los escritores más creativos que he leído. También tengo otros juegos que son de divertimento en los que expreso una opinión, incluso una sentencia, y firmo como el “artista hedonista”, otras veces como “el poeta anacoreta”, “el sofista autista”, etc..
P- Entonces ¿Cree usted que la vanidad es esencial para un artista?
R- No sé si es esencial, yo creo que la vanidad pertenece al hedonismo creativo de los artistas, pero porque en realidad somos seres muy frágiles, nuestra vanidad necesita ser alimentada continuamente, aunque no creo que sea patrimonio exclusivo de los artistas, la diferencia es que en nosotros es más palpable.
P- Aparte de la pintura usted ha sido diseñador y cocinero ¿Cree que son labores complementarias de su creatividad?
R- La vida me llevó a tener que ganarme el pan con otras actividades, pero siempre he intentado apasionarme con mi trabajo y sacar mi creatividad con él. Durante muchos años trabajé de diseñador, primero diseñando jardines e interiores, también tuve una época en que diseñaba cocinas, luego diseñé muebles y también mobiliario urbano. Durante otra época trabajé de cocinero, es algo que me gusta desde pequeño, pero no encajo en el estrés propio de ése trabajo. Ahora la gastronomía me interesa desde un punto de vista más experimental, llevo tiempo trabajando en un libro de cocina, e investigando sobre la cocina manchega, es algo que no me produce beneficios económicos pero si personales. Con respecto al diseño cada día estoy más apartado de el tema, aunque de vez en cuando se me ocurren alguna ideas, pero es un mundo muy profesionalizado, y en ése campo nuestro país nunca será importante por el concepto chapucero empresarial de éste país.
P-Por último ¿Es más real una fotografía que una de sus acuarelas?
R- La realidad es un estado de consciencia, la realidad no puede verse desde la objetividad, aunque parezca una paradoja. No tengo ningún problema en escuchar continuamente que mis cuadros parecen fotografías, eso no importa, lo que si importa es si mis cuadros parecen fotografías buenas o fotografías malas. Soy realista y mis obras son a veces hiperrealistas, la diferencia está en que yo uso el pigmento y el agua como materiales de impresión, yo parto de mis propias fotos, y después creo mi realidad personal, intento cambiar la realidad para satisfacer mi hedonismo plástico, en pos de contar una historia.
Yo no soy un pintor académico, creo que mi valor artístico está en que mi medio para hacer realismo es la acuarela, y es algo poco visto en ésta técnica. Cómo le digo yo no tengo un método, voy pintando desde la intuición y las emociones, porque creo que no hay nada como la acuarela para transmitir emociones, es un error querer dominarla, sólo podemos hacernos su aliado, e intentar que ella nos responda positivamente, lógicamente la experiencia ayuda mucho a solucionar problemas, pero insisto en que no hay método, y eso se lo quiero siempre trasmitir a mis alumnos. Así soy yo, no pretendo que mi obra le guste a todo el mundo, no soy ningún ser omnipotente, hago un trabajo que me apasiona, cada día de mi vida es un día diferente, disfruto cada momento como si fuera el último e intento hacer mi trabajo con dignidad, coherencia y honradez, y a pesar de tener un estatus económico casi miserable no me cambiaría por nadie.
Sin más que añadir dejamos a éste excepcional artista con la impresión de que hemos sido unos privilegiados por todo lo que hemos escuchado de su boca y su corazón.
