Hoy se celebran cinco décadas del lanzamiento de una colección de canciones revolucionaria dentro de la música mundial, aunque sobre todo occidental, de uno de los grupos musicales más influyentes en la historia de la música: The Beatles.
Muchos medios de comunicación lo han clasificado como uno de los mejores álbumes de la historia. Pero como la música no es una competición, vamos a dar algunos detalles, datos curiosos del disco y lo que nos ha hecho sentir las incontables veces que hemos disfrutado de él.
Hay que señalar que el disco supone un cambio musical y conceptual en la trayectoria exponencial del grupo. Séptimo album de su carrera y cuarto año de su carrera discográfica, coincide con la época en la que deciden no realizar giras mundiales, haciendo en agosto de 1966 su última gira, centrándose en el trabajo en estudio, y siempre de la mano del quinto Beatle: George Martín, fallecido recientemente. También es la época del uso extendido de sustancias psicoactivas como el LSD y del inicio de la música psicodélica.
Vamos a realizar una división del disco analizándolo pista a pista, agrupándolas por estilos musicales. Lo primero de todo, debemos anotar que es la primera vez que George Harrison es el compositor principal de tres canciones incluidas en el Revolver.
El disco empieza con Taxman. Tema compuesto por George Harrison en el que hace referencia expresa al primer ministro británico y al líder de la oposición, ya que los impuestos ascendían hasta el 95% de los ingresos de personas con renta alta. Esta alusión tan explícita no era típica de los Beatles. Hecho que expresa aún más la confianza que tenían en sí mismos y el crecimiento artístico que estaban notando. Musicalmente, empieza con un ritmo y sonido áspero y contundente de guitarra en Re, acompañado con una línea de bajo que sólo Paul es capaz de crear. La melodía de la voz principal es pegadiza, dulce , rockera, con tintes exóticos, debido a que usan la escala dórica de Re, recurso muy usado por los Beatles y una de sus señales de identidad. Hay dos solos de guitarra que están grabados por Paul, y en cuanto a los coros: únicos, como sólo ellos sabían hacer.
La cuarta pista es también de George Harrison, Love You To. Y es la primera vez que se graba un tema pop con estructura basada en la música tradicional hindú . También usando la escala dórica, esta vez en Do. Fue grabada por músicos e instrumentos de la India, distintivo de la música psicodélica de la época. George únicamente participó grabando una pandereta.
El séptimo tema grabado es She said She said, compuesto por John. Hace referencia a una experiencia con LSD que compartieron John, George y el actor Peter Fonda en Estados Unidos. Para mi el mejor tema del disco. Toda una lección de dulce melodía que te transporta a un mundo onírico de luces y colores, con unas líneas de voces que de nuevo exhiben la capacidad compositora de sus creadores. Los fraseos de guitarra son igualmente únicos, reflejando esa demostración de lo que es la relatividad, en donde apenas unos segundos, converge un universo de sensaciones. Hacia el minuto y diez segundos, hay un cambio en la tendencia de la canción con un elemento que usaban mucho, sobretodo Paul. Y es una pequeña línea melódica de música circense o ragtime. Un tema que os animo a escuchar para que os deis cuenta de la intemporalidad de la canción.
El segundo tema de la cara 2 es And your Bird can sing. Tema en Mi mayor, fresco al estilo Beatle y con unas guitarras cargadas de saturación. El compositor principal es John. Se dice que hace referencia a su amigo Mick Jagger, a quien le gustaba lucirse frente a la novia de Lennon. En palabras de John dijo que era una «porquería de canción». Tiene un maravilloso riff y dibujos de guitarra doblados por George y Paul, que muestran lo grandes guitarristas que eran.
El cuarto tema de la cara 2 es Doctor Robert. Otro tema que usa la escala dórica en La, aunque más rockero que el resto, sobre todo el coro que hace Paul, cantando por encima de John llegando más arriba y con la voz un poco rasgada, algo que es totalmente distintivo de Paul y que se puede apreciar en toda la discografía, y que demuestra lo gran cantante que es. John grabó un armonio, que da un toque de originalidad, teniendo en cuenta que es un instrumento de viento tocado con teclado. Se dice que el Doctor Robert era quien suministraba LSD a los de Liverpool, representado en la letra.
I want yo tell you, es la quinta de la cara 2. De nuevo escala dórica en La. Tema compuesto por George. Hay un cambio en el puente donde Paul marca con el piano dos notas que se alternan Fa-Mi que proporcionan una sensación de nuevo onírica.
Todas estas canciones pertenecen al grupo de la escala dórica, escritos por George y John. Este disco se caracteriza por la diversidad que presenta. Vamos a seguir desgranando los temas.
La segunda canción del disco corresponde a Eleanor Rigby con un doble cuarteto de cuerdas orquestado por George Martin y la llamativa letra sobre la soledad, la canción hizo continuar la transformación del grupo, principalmente en el pop haciendo ver una banda de estudio más seria y experimental. McCartney siempre sostuvo que el nombre «Eleanor» lo tomó de la actriz Eleanor Bron (quien actuó en la película Help!) y el apellido «Rigby» era una tienda de abastos ubicada en la ciudad de Bristol. Pero durante la época de los 80, alguien encontró una tumba en el patio de la iglesia St. Peter (lugar donde se conocieron Lennon y McCartney), cuyo epitafio tenía grabado el nombre de Eleanor Rigby (muerta el 10 de octubre de 1939 a la edad de 44 años). La canción fue grabada con Paul McCartney como voz principal y John Lennon y George Harrison haciendo los coros. Los demás músicos que participaron en la grabación de este tema son: Tony Gilbert, Sidney Sax, John Sharpe y Jurgen Hess en los violines; Stephen Shingles y John Underwood en las violas, y Derek Simpson y Norman Jones en los violonchelos. Nota importante es que los arreglos de cuerda fueron realizados por George Martin y se grabó con un cuatro pistas, un prodigio técnico que exclusivamente él podía realizar en esa época. El ingeniero era Geoff Emerick, y el Revolver fue el primer disco en el que trabajó como ingeniero principal con los Beatles. La melodía de la canción tiene toques dulces, sombríos y el estribillo es algo más fresco. Hay una biografía de los Beatles en la que se dice: «Paul McCartney en Eleanor Rigby es el cuidador de un jardín de soledad»
La quinta canción del disco es Here, there and everywhere. Una balada un poco al estilo high school de los años 50, unos coros increíbles y una melodía cautivadora desde la primera vez que se escucha. ¿Cómo una canción de a penas 2 minutos 30 segundos puede ser tan bonita? En la biografía, Many Years From Now, McCartney se cita que la canción es una de sus favoritas. George Martin, también ha mencionaba que es una de sus canciones favoritas de Paul McCartney. Notables intérpretes han versionado «Here, There and Everywhere» incluyendo Emmylou Harris, Camilo Sesto (en su primer álbum en idioma inglés), José Feliciano(instrumentalmente), Céline Dion (para un disco tributo a George Martin/Beatles), George Benson, y Umberto Tozzi. Una canción ideal para una ocasión especial en la vida de cualquier persona.
For no one es la tercera de la cara 2. Empaquetada dentro de este grupo al que pertenecen las canciones de Paul. Es una canción de amor que hizo para su novia de entonces Jane Asher en los Alpes Suizos. A pesar de que la relación no terminó en boda, aún se considera a Asher uno de los grandes amores de McCartney y una de las musas más influyentes del rock del siglo XX, llegando Paul McCartney a escribir para ella más de 15 canciones, convirtiéndola en la mujer que más canciones de The Beatles inspiró. Debido a lo largo de su relación con Paul; a Jane se le ha nombrado en algunos medios «La novia de Inglaterra». A lo largo de la relación, McCartney compuso varios temas inspirados por Jane Asher. Algunos de ellos son: Honey Pie, Yesterday, For No One, She’s A Woman, Here, There and Everywhere, I’m Looking Through You, Every Little Thing, What You’re Doing, All My Loving, We Can Work It Out, Things We Said Today, You Won’t See Me, And I Love Her, entre otros. Esto es un poco la prensadel rock corazón. En cuanto a la parte musical hay un solo de trompa interpretado por Alan Civil. Paul quería incluir este instrumento porque siempre le había gustado, por lo que habló con George Martin y éste quiso traer al mejor intérprete posible. Cuando Civil terminó de interpretar el excelente solo, Paul se atrevió a decirle que estaba bien, pero que podía hacerlo mejor. Finalmente, fue esa primera toma la que se utilizó. Paul grabó el clavicordio y el piano. La canción lleva una melodía de balada típica al principio mezclándose con un aire de música clásica. Algo muy usado por los Beatles en su discografía, y más aún a partir de entonces. Otro ejemplo del cambio y maduración musical.
Paul McCartney compuso Good Day Sunshine en casa de John Lennon, y admitió que le habían influenciado los Lovin’ Spoonful. Estaba bastante orgulloso del resultado y de hecho la canción apareció en el disco «Give My Regards To Broad Street». El tema es bastante simple y consta únicamente de piano, bajo y batería (que Ringo grabó en dos partes) y unas voces muy efectivas. El solo de piano está grabado por George Martin. La canción fue grabada en los estudios Abbey Road el 8 de junio de 1966, con pistas extra añadidas un día después. Es la primera canción de la cara 2. Es una canción alegre y nada tiene que ver con las otras dos grandes y armoniosas baladas de Paul. Otro dato curioso es que fue interpretada en el último día del «retorno al vuelo» de la misión del transbordador espacial Discovery en julio de 2005.
Get to get you into my life fue lanzada como sencillo en losEstados Unidos en 1976, una década después que en Inglaterra y seis años después de la separación de la banda. Éste fue un sencillo que fue lanzado como promoción para el álbum Rock ‘n’ Roll Music, en Estados Unidos donde fue #7 en el Billboard Hot 100 chart, y el último sencillo entre los 10 primeros hasta 1995 con «Free as a Bird». La canción fue un tributo a la música soul de Memphis inspirada por Stax Records, que utiliza extensivamente una instrumentación de vientos; aunque tiene el formato de una canción de amor, McCartney ha revelado que la canción fue una oda al acto de fumar marihuana. Una canción genial y redonda. Una base rítmica auténticamente Ringo. El bajo inconfundible desde la primera nota. En el minuto 2 y 8 segundos hay un cambio. Y hacia el 2: 22 Paul añade más letra y usa su voz especial blues demostrando su poderosa laringe. Una canción potente y con unos vientos dignos de músicos de Stax. Otra joya del disco.
“Yellow Submarine» es una canción de The Beatles, cantada por Ringo Starr, compuesta por Paul McCartney. Se cuenta que Paul escribió esta canción una noche mientras estaba tendido en su cama en esa etapa del sueño cuando una persona se encuentra entre dormida y despierta, y simplemente se le vino a la cabeza la idea del submarino amarillo. Entre los «efectos especiales» de esta canción podemos oír a Paul y a John haciendo burbujas en un balde con agua, a Alf Bicknellsacudiendo una cadena en una tina y a Brian Jones (de The Rolling Stones) haciendo chocar vasos de cristal. Cuando el tema salió a la luz, todos asumieron que estaba relacionado con las drogas, excepto Paul, quien señaló que lo único que relacionaba con submarino amarillo eran unos dulces azucarados que él había probado alguna vez en Grecia. Inevitablemente, la juventud comenzó a nombrar a las drogas duras como «Yellow Submarine». Una canción típica de taberna que tuvo mucho éxito.
Estas últimas canciones corresponden al grupo de temas de Paul, con clara tendencia baladística dos de ellas y muy soul las otras dos.
“I´m only sleeping”, tercera del disco y escrita por John ofrece un doble solo de guitarra por George Harrison tocado al revés. El solo es coherente con el resto de la canción, porque Harrison hizo grandes esfuerzos para realizar la melodía completa en su solo al revés, de modo que cuando se invierte y es mezclada, encaja con el ambiente onírico del resto de la canción. El productor George Martin tardó seis horas para perfeccionar el solo de guitarra. Por éso la dejo para el final. El efecto psicodélico de la canción se logró mediante el uso de varias velocidades en los tonos. Merece una mención especial algo totalmente innovador descubierto por error de John al bobinar unas cintas al revés. Debo recalcar que Harrison aprendió el solo y los fraseos al revés y después George Martin les dio la vuelta para que sonaran totalmente acorde con la melodía principal. El tema tiene un aire triste la primera vez que se oye, pero a medida que avanza no se percibe así. La batería parece que va por detrás del tiempo, como si tirase la música de ella. Efecto que da a la canción un todo muy evocador. Esto, junto con la letra al revés usada al final de la canción «Rain» (grabada por los Beatles en las sesiones del álbum, y lanzada por separado como sencillo junto con Paperback Writer) fue el primer caso de mensaje a la inversa. La banda también añadió otro toque de ensueño: cuando Lennon canta «And after all, I’m only sleeping» («Y después de todo, sólo estoy durmiendo»), alrededor del minuto 1:57 de la canción , se escucha decir a Lennon, «Yawn, Paul («Bosteza, Paul»). Después de esto se puede escuchar un bostezo a los 2:00 minutos de la canción. Al documentarme sobre el disco me he dado cuenta de esto. Cada vez que lo escucho descubro algo nuevo. Algo que sólo una pieza de arte posee: que cada vez que se contempla se descubre algo nuevo. Característica del universo Beatle. Un tema totalmente estilo John.
“Tomorrow Never Knows” en los créditos aparece compuesta por Lennon—McCartney, aunque fue escrita por John Lennon. Última pista del álbum. En esta canción se utilizó por primera vez en una grabación de The Beatles el altavoz Leslie para obtener efectos como el vibrato a partir de la voz (lo habitual era utilizar el órgano Hammond). Para la grabación de la canción se utilizó el sistema ADT que permite duplicar el sonido de la voz. Su innovadora técnica de grabación contribuyó a que Revolver se convirtiera en uno de los álbumes más influyentes y expresivos de la banda. El crítico musical Richie Unterberger de Allmusic dijo que era «el tema más experimental y psicodélico De Revolver, tanto en la estructura como en la producción». El título de la canción parece ser un chascarrillo usado frecuentemente por Ringo. Para mí el tema que marca la poderosa innovación del disco. Tema que se adelantó 50 años a su época. Un milagro técnico y musical realizado por los cuatro, George Martin y el ingeniero Geoff Emerick.
Estas dos últimas canciones yo las encuadro en el grupo puramente John, si bien Tomorrow never knows podrías estar de forma independiente en la estratosfera.
Este disco es uno de los que más me han marcado. Yo empecé tarde a oír a los Beatles. Y cuando tuve la ocasión de «empollarme» este disco me di cuenta de lo sorprendente del disco por su diversidad musical y sonido. De hecho hay temas que los he oído en la radio y he pensado: ¿Quién es el grupo que suena ? Creyendo que era totalmente actual. Algo que sólo los cuatro de Liverpool y George Martin podían conseguir. Un disco que no pierde al pasar de los años. Intemporal. No envejece y es innovador hoy en día. Por ejemplo el último tema se puede poner en una discoteca de Ibiza a determinada hora y el público pasar por alto que es un tema grabado hace ya 50 años. ¿Cómo lo hacían? En fin, su legado habla por sí solo y muestra que no fue una mera moda pasajera, sino que creó escuela. Muchos de los músicos que admiro y con los que hablo lo dicen: » Al final vas a ellos» . Ellos nos han hecho aprender de lo fácil que parece transformar lo sencillo en complicado y lo complicado en sencillo, musicalmente hablando. Melodías que han oído generaciones enteras de personas, reconocibles en distintas culturas y que nos hacen sentir lo mismo, vengan de donde vengan. Algo parecido a lo que se experimenta con ciertos olores y determinadas sensaciones.
Voy a añadir la opinión de dos expertos y amantes, mucho antes que yo, de los Beatles.
Jualáin Sanz escibe: » En mi opinión, Revolver fue la subida pertinente y secuencial de un sonido más eléctrico tras Rubber Soul, que notamos en canciones como Taxman y And your bird can sing. Una declaración de su estado más psicodélico y relación con las drogas en canciones como Tomorrow never knows. Fue un romper con el mercado, las fans y un basta ya!. Un colapso bendito. Bendito colapso de un grupo que alcanzaba picos de popularidad y movimiento de masas jamás antes conocido. Por ello terminaron tomando unas «vacaciones» para grabar más tarde el gran Sarget Pepper. Recuerdo la primera vez que escuché Revolver. Fue por el año 94. Supongo que me habría sonado a lata si no me hubieran gustado tanto los Beatles, respecto a lo que había escuchado anteriormente, oyendo canciones tan hindúes como Love you to de Harrison y ese sonido tan raruno que tiene. Pero después de digerirlo dices: genial, me acaba de cambiar la vida como se la cambió a los Beatles. Una mezcla de sonidos clásicos y convencionales con un montón de extravagancias que suenan a sueño/pesadilla. Ya ves al fin y al cabo, al igual que en tu adolescencia, sigues montado en las cosas que te encantan y se mezclan con cosas que no te gustan tanto, pero que están ahí…como Revolver»
Natanael Palacios, cantante y compositor del grupo Siesta Inuit, comenta: » Revolver supone una revolución musical en el pop en general y en el sonido de The Beatles en particular. Revolución ya iniciada de forma incipiente en Rubber Soul, su anterior disco. Con George Harrison abriéndose un hueco a codazos como compositor entre unos Lennon y McCartney en estado de gracia, y junto al uso de nuevas técnicas en el estudio. Revolver sienta las bases del pop actual, sonando cincuenta años después insultantemente moderno».
Hasta aquí mi homenaje a uno de los discos de mis amores. Sólo espero que siga la intemporalidad de este disco y que se sigan teniendo muchos hijos con él. Seguiré oyéndolo una y otra vez y descubriendo nuevas cosas en este beatleuniverso tan grande.
Rock & Roll.
